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Playlist o intento de ella
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BAUHAUS: MÁS GÓTICO QUE LA CATEDRAL DE BURGOS

Detalle gótico del interior de la Catedral de Burgos.

En fin, un poco más apropiada, quizá, fue la actuación de la banda en la peli de vampiros (qué casualidad, oye) 'The hunger', protagonizada por el ídolo de juventud, un tal David Bowie. La canción: 'Bela Lugosi´s dead' (cuya letra y video veremos más adelante, amigos de lo siniestro). De hecho, fue uno de los clásicos de Bowie, 'Ziggy Stardust', el que les ofreció a Bauhaus su gran triunfo comercial, ya que el single alcanzó el Top 20 viendo, además, cómo el album The sky´s gone out llegaba al Top 5 (por el dark eye te la hinco). La enfermiza 'She´s in parties' permanece como uno de los temas más reconocibles del grupo mientras que su canto de cisne discográfico (esto más que oscuro, ha quedado gayer), Burning from the inside, de 1983, vio cómo Bauahus firmaba el finiquito como banda en un punto, aunque indeterminado, de gran creatividad. Pero la oscuridad seguirá...

Murphy tarda poco en reaparecer con Mick Karn, del grupo Japan, en un nuevo proyecto, Dalí´s car, aunque sólo duró un disco, The waking hour, de 1984. A partir de entonces, el cantante sacó una buena retahila de discos, sorprendiendo a muchos en la Pérfida Albión en 1990 al llegar al Top 50 americano con el disco Deep, que incluía el hit 'Cuts you up'.

Cómo no, aquí va el vidio-clir de este temita algo menos punk que antes, con un buen estribillo; pero, bueno, esas hombreras y peinados son inolvidables...



Mientras tanto, el resto del grupo disfrutaba del éxito de la nueva formación post-Bauhaus: Love and Rockets, destacando el hit en 1989 'So alive'. El grupo se rejuntó en 1998 para dar un par de conciertos, seguramente porque les iba económicamente más oscuro que el cagadero de un balrog. Por cierto, el que escribe vio en directo a Peter Murphy allá por el 2002. Nunca olvidaré la linterna. Rediós, cuantísima oscuridad... ni Tim Burton. ¡Qué zuhto, prefiero la muehte!

BAUHAUS: MÁS OSCURO QUE EL OJETE DE BATMAN (I)

Más allá de la tumba grotesca que yace junto a los huesos de la desidia y el olvido, nació una banda más gótica y oscura que un mojón cagado por Tim Burton jarto de cafeles: Bauhaus, formada en Northampton, Inglaterra a finales de 1978, por Peter Murphy, Daniel Ash, David J.y Kevin Haskins, e inicialmente llamados Bauhaus 1919.

Afoto cortesía de flashbacks.com: Bauhaus en directo, Chicago, 1980

Con el sello indie Small Wonder, lanzaron su clásico entre los clásicos, la genial 'Bela Lugosi´s dead', acompañado por la 'oscura' 'Dark entries'. Gracias a una extraña y 'oscura' mezcla de géneros entre el glam y el punk amortajada con el horror gótico (auuuuuu!!), Bauhaus tallaron su genuino e inimitable nicho a principios de los 80 sobre la tierra baldía del post new-wave (Dios, cuánta oscuridad...).

Tras un primer álbum de 1981, In the flat field, y un par de singles (entre ellos una versión del 'Telegram Sam' de T-Rex), la banda firmó por el sello Beggar´s Banquet (sí, como el disco de los Rolling), alcanzando el Top 30 gracias al disco Mask (1981). Éste incluía los singles 'Kick in the eye' y 'The passion of lovers' (oscura passion, eso sí), formando un set más consistente. Pero nosotros vamos a ver el friki video de una de nuestras canciones favoritas del grupo, además de un videoclip más currado que el programa de María del Monte: Mask, cortesía de Youtube, claro -perdón, oscuro- está.



Aún así, el toque underground se puso bajo la tenebrosa sombra de la duda (toma ya, ni Poe) cuando Murphy apareció en un anuncio de televisión para la marca de casetes Maxell (ahí sí que se escuchan bien oscuras las canciones, cualquiera de ellas de cualquier grupo. El otro día puse una cinta de Aretha Franklin en el cassette de mi Citroën Berlingo y, Dios, parecía el mismo Satán estreñido. Cosas oscuras, amigos...). To be continued...

Diccionario de Música Electrónica

Te lo dice el profesor Hubert.

Acid House: De la derivación del house de Chicago. Nace con el trabajo de Dj Pierre y Spaky con sus experimentos con el procesador de bajos TB- 303. Sonaba como si le hubiera caído ácido al aparato. 808 State, Steve stoll.

Ambient: AMB001 de la portada del disco "Music for airports" de Brian Eno, inaugura su serie de obras Ambient. Eno decía acerca de este género que "el objetivo de la música ambient es inducir la calma".
Beat: denominación que se les da a los golpes de bombo que marcan el ritmo de las composiciones dance. Medida utilizada para regular la velocidad de los temas: BPM (beats por minuto).

Core: Sufijo de los ritmos rápidos, Hardcore, trancecore etc …

Detroit Tecno: Varios cultores de la música electrónica se clasifican con este término, pero no se usó hasta la aparición de sonidos electrónicos en la ciudad de Detroit en los 80´s. Juan Atkins, Plastikman.

Drum & Bass: Literalmente se traduce por “bombo y bajo”; es una de las ramificaciones del tecno inteligente, sus principales precursores son: Aphes Twin, Chemical Brothers, Doft Punk, Fatboy Slim, ...

Eurobeat: Ritmo euopeo que se nutre de house, tecno, rap spaguetti disco etc …

Flyer : prospecto o folleto para anunciar una velada o sesión en club, o en una rave.

Garage/undergound: De la celebre discoteca neoyorquina Paradise Garage donde el ya mítico Dj Larry Levan pinchaba una combinación de salsoul y post-disco. Blaze, Lil´Louis & The World.

Groove: sinónimo de ritmo, el alma de un tema musical.

House: El House toma su nombre de The Warehouse, el legendario club de Chicago donde Frankie Knuckles, un Dj neoyorquino celebró fiestas post-disco. El Warehouse o hangar o galpon se abre en 1979 y culmina curiosamente antes del boom electrónico en 1983. Fingers Inc, Frankie Knuckles.

Inteligent Tecno: Cierto tipo de Tecno experimentatoria y abstracto. Cultores más conocidos son Orbital, Underworld y Aphex twin.

Jungle: Smurf un Dj de la radio Jungle Kool FM, lo explica así: ¨Es como una jungla en la naturaleza, un espacio lleno de multitud de elementos, y eso es lo que ocurre en nuestra música¨ a buen entendedor… The Prodigy, Goldie, Fabio.

Kraftwerk: cuarteto alemán surgido en la ciudad de Dusseldorf. Padres absolutos de la música tecno.

MIDI (Musical Instrument Digital Interface): permite a un instrumento musical controlar el sonido de otros instrumentos y equipo electrónico. La invención de este sistema abre las puertas a todo un nuevo mundo de creatividad musical sin limites, una nueva generación de sintetizadores y equipos de grabación.

Minimalismo: Música basada en la repetición de un motivo muy breve durante la cual se introduce material musical nuevo, ligeras variaciones y pequeños desplazamientos de frases. Sus características son una actitud musical muy meditativa y una especie de continuum sonoro. La música es sencilla, fácil de captar: no tiene carácter de obra de arte, sino es un proceso sonoro planificado o espontáneo, pero muy extenso; unas pocas fórmulas rítmico-melódicas repetidas en forma de ostinato, aunque no de un modo rígido, sino con ligeras variaciones y pequeños desplazamientos de frases.

BREAD & BUTTER

La octava y última edición de BBBarcelona estuvo marcada por la internacionalidad e hizo honor a su nombre. 800 marcas y 79 942 visitantes especializados procedentes de más de cien países abarrotaron la capital catalana entre el 21 y el 23 de enero de 2009.

Según Karl-Heinz Müller: «A pesar de unas cifras de asistencia algo bajas, el ambiente fue
fantástico y los expositores y visitantes no se dejaron amedrentar por la crisis financiera. Esta
última edición fue la mejor. Con estos excelentes resultados a nuestras espaldas, pondremos en marcha nuestro nuevo proyecto».

El balance reafirma la posición de BREAD & BUTTER como cita internacional obligatoria del sector y como feria de referencia de la moda urbana y deportiva. Desde todos los sectores se volvió a alabar el buen ambiente de trabajo de la muestra, la excelente calidad de los visitantes especializados y la perfecta organización.

Karl-Heinz Müller explica que «el servicio Active Guest Management nos ofreció una perspectiva exacta de nuestra estructura de visitantes. No faltó ninguna de las principales casas internacionales. La calidad de los visitantes fue la mejor de todas las ediciones. Nuestra comunidad constituye una base fija e inquebrantable, que nos seguirá mientras continuemos
dándole respuestas a las necesidades de nuestros tiempos. Seguiremos esforzándonos por conseguirlo».

Además de contar de nuevo con una cartera de expositores muy potente, con 800 de las principales marcas internacionales en moda urbana y deportiva, BBBarcelona ofreció a sus visitantes una serie de actos muy destacados:

La leyenda del tatuaje y de la estética vintage Christian Audigier presentó en la Avenida, en un espacio de alrededor de 1000 m² y a través de una plataforma común, sus colecciones Christian Audigier, Ed Hary, Smet, Crystal Rock, Paco Chicano y C-BAR-A. Su impresionante actuación contó con desfiles diarios colectivos.

Wrangler volvió a convencer en BBBarcelona con un espectáculo increíble en Luna Park, dónde el espíritu de Wranger cobró vida con un impresionante espectáculo de motos.

Como de costumbre, la firma holandesa G-Star se presentó ante los visitantes especializados con un stand en el área Denim Base y ofreció increíbles desfiles diarios en la carpa G-Star de Luna Park.

Fueron muchos los actos organizados en el marco de BBBarcelona, como el desfile de Desigual del martes por la noche o el de Custo Barcelona del jueves, al que siguió una gran fiesta.

En la tercera planta del área Sport & Street se celebró por primera vez el rastro BREAD & BUTTER: tiendas internacionales de moda urbana como Azita (Fráncfort), Caliroots (Estocolmo), Index Book (Barcelona), Limiteditions (Barcelona), Reed Space (Nueva York), Slam Jam x Chikashitsu (Barcelona), Solebox (Berlín) y Wood Wood (Berlín/Copenhague), vendieron aquí «special collaboration items», tesoros de su vestuario personal y prendas de las colecciones de la temporada de invierno 2008.
De esta forma, los visitantes de BBBarcelona no sólo pudieron ir de compras de una forma muy especial sino que, por primera vez, disfrutaron de la plataforma comercial y de presentaciones de los minoristas dentro de BREAD & BUTTER.

Asimismo se dio continuidad a la colaboración con la Royal Academy of Fine Arts de Amberes. Bajo la batuta del director creativo Walter van Beirendonck, algunos estudiantes universitarios de primer ciclo mostraron sus trabajos en el marco de la exposición de diseño de B&B «The denim skirt; novel interpretations of a contemporary classic». Por primera vez, los estudiantes diseñaron faldas vaqueras. El fabricante de ropa vaquera TRC CANDIAN proporcionó la tela de forma gratuita para este proyecto.




Star Show Bread&Butter Barcelona

Minimal sin principios.

Pero si la “minimal art music” estaba en el origen mismo de la música electrónica, y si la etiqueta “minimal techno” ya lleva quince años rodando por ahí ¿Cómo se explica esta repentina explosión del término? ¿Es una verdadera revolución musical o es más bien una estrategia de marketing? A falta de una definición más precisa de lo que es minimal, la wikipedia inglesa acaba su referencia con una reflexión interesante:
“En la segunda mitad de 2006 el término minimal se ha vuelto contradictorio, pues sirve como denominador para los sonidos tech house del momento, muchos de los cuales debieran etiquetarse como “máximal” en términos de contenido sonoro, en contraste con el desnudo género electrónico minimalista”




Massi DL - Minimal Mushrooms

Si el concepto minimal se populariza en los clubs de música electrónica de baile, quizás es que el minimal ya no representa aquella música ambient, experimental y elemental más apropiada para ser escuchada que para ser bailada. A no ser que éste sea el objetivo último de la nueva fiebre minimalera: que la gente baile menos y escuche más.
Si así fuera el minimal representaría una reacción a los excesos del pasado y asistiríamos a un fenómeno similar a la resaca de la música disco de los primeros 80s, cuando el eslogan “disco sucks” resumía la nueva moda antidisco en la que el rock, como música discursiva que era, se imponía a la que se consideraba frívola y decadente música de discoteca. Si de lo que se trata ahora es de apaciguar la pista de baile, el minimal reflejaría una tendencia retrógrada, puritana y fundamentalista en lo estético, esto es, de retorno a la pureza de los fundamentos de la música electrónica, a sus orígenes experimentales menos eufóricos, y si ese retorno a los orígenes refrena el baile significará también un movimiento retrógrado en lo moral (bailar es pecar).
Esta nueva ola minimalista anuncia tres posibles escenarios.
- El primero es el del minimal ortodoxo y sectario, en el que este estilo se consolida fiel a sus principios como música minoritaria para escuchar más que para bailar, y se limita a sonar en algunos pocos clubs o en horarios de pre y post fiesta, dejando para géneros más enérgicos las horas centrales de las sesiones de baile.
- El segundo escenario es el del minimal ortodoxo y misionero, en el que este género musical sigue sin renunciar a su espíritu experimental y ambient, pero a diferencia del caso anterior los apóstoles del minimal se dedican a predicar la buena nueva y convierten al ascetismo, la sobriedad y la contención del minimal a las masas de fiesteros libertinos. Las salas de fiestas se convierten en lugares para el recogimiento y la devoción al nuevo estilo musical.



Lady Waks - Minimal

- En el tercer escenario, el del minimal heterodoxo y comercial, el minimal sería una marca de moda para etiquetar el new techno que evoluciona a partir de géneros ya conocidos, y englobaría buena parte del techno y house que se hacen en la actualidad y que incorporan en alguna medida los nuevos sonidos tipo clicks´n´cuts, glitch y scratch, pero este minimal comercial no renuncia a los graves potentes para marcar el ritmo en la pista de baile. Este minimal heterodoxo que se gana el favor de los clubbers más bailongos se aleja claramente de los fundamentos del minimal techno de los primeros 90s. Este minimal comercial responde a los principios marxistas de Groucho cuando decía aquello de: “Estos son mis principios. Si no le gustan tengo otros” (para que se entienda; este minimal no es minimal).
Estamos en un momento en el que el minimal ortodoxo y sectario ha dado paso al heterodoxo y comercial (con algunas dosis de ortodoxia misionera). Asistimos a la promoción de una marca. Y es que de todos los nombres que han recibido los nuevos géneros musicales electrónicos ninguno tiene la musicalidad, cosmopolitismo, elegancia y elitismo del término MI-NI-MAL. Frente a una marca tan brillante, palabros como microhouse, clicktechno, clicks’n’cuts o glitchcore tienen pocas posibilidades de éxito.

Los 90 el inicio de una nueva era “ Minimal “.

“El minimal techno es un subgénero minimalista de la música techno que se caracteriza por su desnudez, sus ritmos a base de percusiones electrónicas puras, un compás 4/4 (cuatro tiempos por compás), 120-135 bpm, la repetición de loops cortos y los cambios sutiles.”
Los 90 fueron años de creatividad expansiva en la música electrónica de baile, y aquel experimento minimal, más apropiado para ser escuchado y analizado que para ser bailado, quedó relegado al disfrute de unos pocos.
La última edición impresa de la “All Music Guide to Electrónica” no tiene entre sus miles de referencias el término “minimal”, aunque si tiene tres referencias al minimalismo de los 70s. “Loops Una historia de la música electrónica” tampoco cuenta con el minimal entre sus referencias, pero lo cita en un par de ocasiones hablando de “un techno al borde del minimalismo” para referirse a la evolución de Plastikman y Mike Ink. Otros libros anglosajones de cultura dj tampoco recogen el nuevo género. Pero si uno ojea las últimas ediciones de las revistas especializadas, el minimal resulta ser uno de los términos más citados. La búsqueda en Google del término “techno” “music” arroja 22.000.000 referencias, mientras que la de “minimal” “music” resulta ser de 19.500.000, muchísimas en comparación con las 220.000 del término “microhouse” o los 2.000.000 de “trance” “music”, por ejemplo. Atendiendo a estos resultados, la especie minimal que hasta ahora se consideraba una de tantas ramificaciones periféricas del techno, parece estar creciendo hasta convertirse en un tronco principal.

CURTIS MAYFIELD: FREDDIE´S DEAD

Y aquí, ahora, en este momento y no sin alguna dificultad técnica a la hora de traducir la letra, una de las mejores y míticas canciones de nuestro querido Curtis: Freddie´s dead, corte extraído de su Banda Sonora Original para el film 'SuperFly' de 1972). No la busquen en ningún video-club, porque me parece a mí que no...

Freddie´s dead

Hey Hey - Love Love - Yeh Yeh - Ah Ha
Freddies dead, thats what i said.
Let the man read, the plan, said it singing home
But his home was a rope and he should've known.
Everybody's misused him, ripped him up and abused him.
Another junkie plan, pushin' dope for the man.
A terrible blow, but thats how it goes.
A freddies on the corner now.
If you wanna be a junkie wow.
Remember freddies dead.
We're all built up with progress
But sometimes i must confess.
We can deal with rockets and dreams
But reality, what does it mean?
Ain't nothing said, cause freddies dead.
Hey Hey-Love Love-Ha Ha-Love Love-He Hey-Ha Ha-Yeh Yeh
Freddies dead
All i want is some peace of mind
With a little love i'm trying to find.
This could be such a beautiful world, with a wonderful girl.
I need a woman child. Don't wanna be like freddie now.
Cause freddies dead
Everybody's misused him, ripped him up and abused him.
Another junkie plan, pushin' dope for the man.
A freddies on the corner now.
If you wanna be a junkie why, remember freddies dead.
Ha Ha Ha Ha Ha freddies dead
Hey Hey - Ha Ha - Love Love - Ha Ha

Freddie está muerto

Freddie está muerto, es lo que digo.
Deja que el tío lea el plan, dijo cantando en casa.
Pero su casa era una cuerda y debería haberlo sabido.
Todos lo han maltratado, lo han engañado y han abusado de él.
Otro plan de drogatas, vendiendo mierda para el tío,
Un golpe terrible, pero así nos va.
Ahora hay un "freddie" en la esquina.
Si quieres ser un drogata
recuerda que Freddie está muerto.
Podemos negociar con cohetes y sueños,
pero solo a veces, tengo que confesar.
No hay nada dicho, porque Freddie está muerto.
Pero la realidad… ¿qué significa?
Todos hemos crecido con el progreso
Lo que quiero es tranquilidad,
intento encontrarla con un poco de amor.
Podría ser un mundo maravilloso,
con una chica preciosa.
Necesito una chiquilla.
No quiero ser como Freddie.
Porque Freddie está muerto.
Todos lo han maltratado,
lo han engañado y han abusado de él.
Otro plan de drogatas, vendiendo mierda para el tío.
Otro "freddie" está en la esquina.
Si quieres ser un yonki,
recuerda que Freddie está muerto.

CURTIS MAYFIELD: SUPERFLYING

En 1972, a Curtis le llegó el momento de convertirse de un aclamado artista estadounidense a una estrella internacional (como David Bisbal o Ámbar) gracias a la música para la película blaxploitation ‘Superfly’. El film fue un éxito arrollador -puede que no fuera así en Varsovia-, y la banda sonora de Curtis lo complementó de una manera espectacular. De hecho, dos de los grandes hits en la carrera de nuestro bro' fueron extraídos de este disco: Superfly y Freddie´s Dead, aunque sin olvidar otros temas destacados como Pusherman o Give me your love. Considerada como una de las mejores grabaciones dentro de la música negra contemporánea, ‘Superfly’ representó la cúspide en la carrera en solitario de Curtis.

Aunque nuestro pequeño gran hombre lanzó algunos discos menores a lo largo de los 70 y continuó supervisando el desarrollo creativo de su sello Curtom (ahora distribuido por Warners), nunca pudo acercarse a la fuerza de su banda sonora. Posiblemente su mejor obra post-‘Superfly’ sea ‘Short eyes’, curiosamente otra banda sonora escrita para una película en la que el propio Curtis tenía un papel. De ahí que la hipótesis de ser el hermano mayor de Gary Coleman cada vez tenga más peso entre los entendidos en la matería, sí, los mismos del "súper-groovy". Freaks... Free, free, free, free, así se subtitulaba la canción homónima del film. Un ejemplo de su actuación en el film (mucha atención a su diálogo):



La de los 80, como ha pasado con tantos buenos y decentes artistas (y no nos referimos precisamente a ése que estás pensando ahora mismo... Sí, Phil Collins), fue una década en la que Curtis se dedicó a hacer giras rememorativas de sus grandes éxitos en solitario, además de una reunión con The Impressions en la que participó su sensei Butler.

Llega la tragedia

La década de los 90 no empezó bien para nuestro Curtis, sobre todo cuando en Agosto de ese mismo año la tragedia se cebó con él: durante un concierto en Brooklyn, una de las parrillas de iluminación del escenario se descolgó a causa del fuerte viento, cayendo sobre Curtis y dejándolo tetraplégico. Ahí comenzó a apagarse la luz de uno de los máximos exponentes de la música negra de los últimos 50 años.

En los años siguientes, Curtis ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll y recibió varios galardones por su trayectoria, e incluso llegó a grabar un nuevo álbum en 1996: ‘New world order’. El proceso de grabación consumió mucho tiempo, aunque el resultado mereció la espera, con Curtis logrando su mejor éxito desde principios de los 70. Desgraciadamente, ése sería el canto de cisne de Curtis ya que nuestro hombre falleció de cáncer en un hospital de Atlanta, tras una larga agonía, el 26 de diciembre de 1999. D.E.P. junto al resto de brothers (James, Marvin...)

CURTIS MAYFIELD: IMPRESIONANDO CON THE IMPRESSIONS

Curtis no era guapo. Es más: seguramente al nacer podía ser confundido con un sapo. O en su juventud con el verdadero hermano mayor de Gary Coleman en la serie 'Arnold', cuyos recuerdos aún perduran en nuestros coraçaos. Pero nada de eso fue óbice para llegar a ser uno de los padres del soul-funk más auténticamente afroamericano. Adentrémonos, pues, en el fascinante mundo del funky y soul con Curtis Mayfield.

Foto: Curtis es el primero de la izquierda. De verdad.

Inmerso en la música ya desde muy pequeño, Curtis se había formado como guitarrista-vocalista y ya en 1957 se unió a The Impressions, bajo el liderazgo de Jerry Butler. A ver: estamos hablando de que un chaval regordete de Chicago, con 15 años, forma parte de un grupo que será mítico... Ventajas de una época sin televisión. El adolescente Curtis tuvo su primer éxito como autor en 1958 (¡¡con sólo 16 años, como Melody de Dos Hermanas!!) con For your precious love, antes de que Butler se largara a coger coquinas. "Es que el chaval sólo vale para esto, porque para modelo de lencería masculina no le veo", dijo alguna vez su madre a alguna vecina ciega. The Impressions llegaron a su primer Top 20 en 1960 con Gipsy Woman, y con un Curtis cada vez más prolífico a la hora de escribir canciones vía nuevo contrato el sello A.B.C.

Aquí una actuación con The Impressions:


A lo largo de la década de los 60, escribió una buena tanda de éxitos (más que los vídeos eróticos de Paris Hilton), incluyendo el We´re a winner, cuya letra reflejaba una importante conciencia sobre el movimiento de derechos civiles y la creciente confianza y determinación de la comunidad negra estadounidense. Comienzan a atisbarse los posteriores derroteros de la música negra de los 70.

Durante los 60, nuestro ‘soul-man’ también escribió para otras discográficas, lo que le inspiró para poner en marcha su propio sello, Curtom (distribuida a través de Buddah), no sin éxito, y si no que se lo pregunten a Donny Hathaway. Bueno, mejor que no se lo pregunten porque acabó un poco mal...

Abandona The Impressions en 1970 para caminar solo con un primer disco, ‘Curtis’, aclamado por la crítica y caracterizado por su patentado sonido funky acompañado por letras reivindicativas. A este álbum le siguió ‘Roots’, donde se incluyó la súper-groovy (leer sólo los entendidos en la materia) Keep on keeping on. Continuará...

Las nuevas generaciones.

Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan, EE. UU.) y la house (en Chicago, Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode y Pet Shop Boys, dúo británico de gran influencia musical en la actualidad, quienes generaron nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance europeo.

Jeff Mills.

El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente.
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Madonna, Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.

Del art rock al krautrock.

La banda alemana Kraftwerk fue la primera en experimentar y crear nuevos sonidos, ésta surgio de la conocida corriente krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.
Otro importante músico es el francés Jean-Michel Jarre, fue un experimentador excepcional, en la década de 1970 publicó Oxygene, el álbum que lo hizo globalmente famoso. Siendo su segundo álbum, vendió más de 16 millones de ejemplares en todo el mundo y se convirtió en uno los mayores éxitos de la historia de la música francesa y en un emblema de la música electrónica de la era analógica con cerca de 86 millones de discos vendidos de toda su discografía.
Incluso, Jarre fue el primer músico occidental en realizar una gira por la China post-Mao, en conseguir la mayor audiencia en directo en los cinco continentes con 3,5 millones de espectadores, en llevar la música electrónica a la Ópera de París, en subastar una única copia de uno de sus LP, en congregar más de un millón de espectadores en un concierto en la Plaza de la Concordia de París en 1979 y 2,5 millones en La Défense, también en París, en 1990.

El Rock y los primeros sintetizadores.

Esos primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos teclistas, como Keith Emerson (de Emerson, Lake and Palmer) los utilizaban en sus recitales.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más baratos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Uno de llos primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd.
Pink floyd.

Aunque no toda su música era electrónica (con la destacada excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan cliché que a mediados de los setenta, el grupo británico Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía «¡Sin sintetizadores!».
Sobre todo en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.

Años de transición de la Música Electrónica.

Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.
En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989).
A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor amateur Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los tonos) pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó su instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (música del espacio exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations de The Beach Boys (1966).
La compositora y clavecinista Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog.
Pink Floyd

El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el secuenciador).
En 1966 Pierre Schaeffer fundó Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica.

Del Ruido a la Música Electrónica.

En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruidos y cajas de música electrónicas. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos musicales electrónicos comerciales.
El theremin (theremin, théremin o théreminvox), llamado en su versión primitiva aetherophone (eterófono), es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, y el primer sintetizador de la Historia, inventado en 1919 por el físico ruso Lev Serguéievich Termen.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado ondas Martenot, consistente en un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano.
En 1950, Pierre Schaeffer, ingeniero de sonido y compositor , fundó el estudio de Radio Francia en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas.
Las principales técnicas consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Toda esta elaboración, dio lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de grabaciones provenientes del mundo real.
Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.
A finales de la década de 1940, Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos.
Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva. Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.

5. PACO DE LUCÍA (Flamenco, Jazz, Rock)

Paco de Lucía es uno de los precursores de un flamenco popular y mestizo entrando en el terreno del rock, el jazz o el pop. Además se le atribuye la inclusión del cajón, que tomó de la música afroperuana para convertirlo en el acompañamiento de percusión idóneo para su toque y que se consolidaría en el flamenco contemporáneo.Consiguió por tanto innovar y conseguir que su labor se reconociera internacionalmente dentro de un lenguaje tan purista y cerrado como es el flamenco. Tuvo el arrojo de atreverse a interpretar “El concierto de Aranjuez” del maestro Joaquín Rodrigo de memoria como uno de los mayores retos de su carrera, puesto que apenas tiene nociones básicas de solfeo. Es curisoso el momento “pique” que en el recordado programa de televisión “El séptimo de caballería” le midió al guitarrista de Dire Straits, Mark Knopfler, al que primero pudo emular en un punteo para después proponerle un “riff” flamenco con el que Knoplfer, sombrero en mano, ni siquiera se atrevió.

El duende que a continuación ves no se estudia ni se aprende en ningún sitio, ni siquiera en el Berklee College of Music...

4. HERMAN LI (guitarrista del grupo Dragonforce)

El guitarra solista de Dragonforce está considerado el más veloz y frenético del panorama metal actual. Su técnica es tan extremadamente rápida que muchos empezaron a cuestionar la autenticidad de su música, la ridiculizaron y la etiquetaron como “música para videojuegos”. Esta crítica puede parecer exagerada, pero deberias tener en cuenta que las influencias musicales de Li provienen de sonidos de videojuegos arcade de ordenadores y maquinas recreativas de finales de los años 80 y comienzo de los 90 hasta el punto de incluir en alguno de los temas de Dragonforce sonidos sacados de Pac-Man o Mortal Kombat.
Es curioso que Li se relaje durante las giras jugando a Guitar Hero, exitoso videojuego musical que ha ayudado a Dragonforce a darse a conocer al gran público y hacerse así un hueco importante en la esfera metal actual.

Aquí lo puedes ver y oir junto a su compañero de banda Sam Totman.

3. JIMMY HENDRIX (guitarrista eléctrico, cantante)

Qué vamos a decir de este lunático que no sepais… era zurdo, suspendió música en el colegio y declaró ser homosexual ante el psicólogo para tratar de librarse del reclutamiento militar, pero no está aquí por eso. Hendrix es uno de los músicos mas influyentes de la historia y en su breve pero intensa carrera (falleció en extrañas circunstancias a la edad de 27 años, la misma con la que fallecieron Jim Morrison, Janis Joplin o Kurt Cobain)fue el precursor de las estructuras y el sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock, creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk. Además este tipo era todo un espectáculo en directo. Cantaba sus canciones y tocaba en cada concierto como si fuese el último de sus dias hasta el punto de entrar en trance y tocar la guitarra con los dientes e incluso de espaldas.

Disfruta este video de uno de sus grandes temas.

2. STEVE VAI (solista eléctrico)

Este endiablado solista es uno de los miembros habituales del G-3 (reunión puntual de “Masters Guitar”). Algunos consideran su estilo y técnicas como propios de un pacto con el maligno. Quizá lo hagan porque nació el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York y cumplió seis años el sexto día del sexto mes de 1966. Lo que muchos desconocen es su compromiso con la práctica. Vai ha reconocido en declaraciones a varias revistas especializadas practicar ocho horas por día, un hábito que comenzó temprano, durante su etapa en la secundaria, en la misma época que comenzó a tomar clases del gran John Petrucci.
Siempre se le ha considerado un innovador de la guitarra, capaz de aportar nuevos sonidos e incluso de crear sorpredentes guitarras múlltiples. A él se le debe la creación de las guitarras de siete cuerdas, y el desarrollo de las guitarras de dos mástiles cruzados y la exclusiva Ibanez JEM Tripleneck de tres mástiles que puedes ver en este video.



Es curioso que en 1986 Steve Vai se aventurara a protagonzar "Crossroads" junto al actor Ralph Macchio(sí, sí, el mítico Daniel Sam de Karate Kid). La película no tiene desperdicio ninguno. En ella Vai interpreta a un guitarrista discípulo del diablo y Macchio (cuyos fraseos de guitarra fueron grabados por el gran Ry Cooder, creador de la BSO de "Paris Texas")a un joven guitarrista que reta al primero para recuperar el alma de un viejo bluesman. Toda una perla de los ochenta vaya...

1. ANDY MCKEE (Solista Acústico)

Podiamos contar muchas cosas para explicar porqué este completo desconocido está en esta lista. Nos fascina la sensibilidad y el buen gusto compositivo de Mckee, nos sorprenden los insólitos instrumentos con los que “juega”, sus dotes para imprimir elementos percusivos a sus melodías, y su capacidad de crear afinaciones originales y enriquecedoras que conjuga con posiciones de cejilla (capo) totalmente genuinas. Podiamos seguir alabando a este tío, pero preferimos dejar de hacerte perder el tiempo y te animamos a ver los siguiente videos, si es posible con un cubo y una fregona a mano...


Este video llegó a ser portada de Youtube,tras conseguir más de 7.300.000 visitas y la máxima puntuación de todas las composiciones de la página.


Aquí da muestras de su sensibilidad compositiva e interpretativa.