29 de enero de 2009

Diccionario de Música Electrónica


Te lo dice el profesor Hubert.

Acid House: De la derivación del house de Chicago. Nace con el trabajo de Dj Pierre y Spaky con sus experimentos con el procesador de bajos TB- 303. Sonaba como si le hubiera caído ácido al aparato. 808 State, Steve stoll.

Ambient: AMB001 de la portada del disco "Music for airports" de Brian Eno, inaugura su serie de obras Ambient. Eno decía acerca de este género que "el objetivo de la música ambient es inducir la calma".
Beat: denominación que se les da a los golpes de bombo que marcan el ritmo de las composiciones dance. Medida utilizada para regular la velocidad de los temas: BPM (beats por minuto).

Core: Sufijo de los ritmos rápidos, Hardcore, trancecore etc …

Detroit Tecno: Varios cultores de la música electrónica se clasifican con este término, pero no se usó hasta la aparición de sonidos electrónicos en la ciudad de Detroit en los 80´s. Juan Atkins, Plastikman.

Drum & Bass: Literalmente se traduce por “bombo y bajo”; es una de las ramificaciones del tecno inteligente, sus principales precursores son: Aphes Twin, Chemical Brothers, Doft Punk, Fatboy Slim, ...

Eurobeat: Ritmo euopeo que se nutre de house, tecno, rap spaguetti disco etc …

Flyer : prospecto o folleto para anunciar una velada o sesión en club, o en una rave.

Garage/undergound: De la celebre discoteca neoyorquina Paradise Garage donde el ya mítico Dj Larry Levan pinchaba una combinación de salsoul y post-disco. Blaze, Lil´Louis & The World.

Groove: sinónimo de ritmo, el alma de un tema musical.

House: El House toma su nombre de The Warehouse, el legendario club de Chicago donde Frankie Knuckles, un Dj neoyorquino celebró fiestas post-disco. El Warehouse o hangar o galpon se abre en 1979 y culmina curiosamente antes del boom electrónico en 1983. Fingers Inc, Frankie Knuckles.

Inteligent Tecno: Cierto tipo de Tecno experimentatoria y abstracto. Cultores más conocidos son Orbital, Underworld y Aphex twin.

Jungle: Smurf un Dj de la radio Jungle Kool FM, lo explica así: ¨Es como una jungla en la naturaleza, un espacio lleno de multitud de elementos, y eso es lo que ocurre en nuestra música¨ a buen entendedor… The Prodigy, Goldie, Fabio.

Kraftwerk: cuarteto alemán surgido en la ciudad de Dusseldorf. Padres absolutos de la música tecno.

MIDI (Musical Instrument Digital Interface): permite a un instrumento musical controlar el sonido de otros instrumentos y equipo electrónico. La invención de este sistema abre las puertas a todo un nuevo mundo de creatividad musical sin limites, una nueva generación de sintetizadores y equipos de grabación.

Minimalismo: Música basada en la repetición de un motivo muy breve durante la cual se introduce material musical nuevo, ligeras variaciones y pequeños desplazamientos de frases. Sus características son una actitud musical muy meditativa y una especie de continuum sonoro. La música es sencilla, fácil de captar: no tiene carácter de obra de arte, sino es un proceso sonoro planificado o espontáneo, pero muy extenso; unas pocas fórmulas rítmico-melódicas repetidas en forma de ostinato, aunque no de un modo rígido, sino con ligeras variaciones y pequeños desplazamientos de frases.

28 de enero de 2009

BREAD & BUTTER



La octava y última edición de BBBarcelona estuvo marcada por la internacionalidad e hizo honor a su nombre. 800 marcas y 79 942 visitantes especializados procedentes de más de cien países abarrotaron la capital catalana entre el 21 y el 23 de enero de 2009.

Según Karl-Heinz Müller: «A pesar de unas cifras de asistencia algo bajas, el ambiente fue
fantástico y los expositores y visitantes no se dejaron amedrentar por la crisis financiera. Esta
última edición fue la mejor. Con estos excelentes resultados a nuestras espaldas, pondremos en marcha nuestro nuevo proyecto».

El balance reafirma la posición de BREAD & BUTTER como cita internacional obligatoria del sector y como feria de referencia de la moda urbana y deportiva. Desde todos los sectores se volvió a alabar el buen ambiente de trabajo de la muestra, la excelente calidad de los visitantes especializados y la perfecta organización.

Karl-Heinz Müller explica que «el servicio Active Guest Management nos ofreció una perspectiva exacta de nuestra estructura de visitantes. No faltó ninguna de las principales casas internacionales. La calidad de los visitantes fue la mejor de todas las ediciones. Nuestra comunidad constituye una base fija e inquebrantable, que nos seguirá mientras continuemos
dándole respuestas a las necesidades de nuestros tiempos. Seguiremos esforzándonos por conseguirlo».

Además de contar de nuevo con una cartera de expositores muy potente, con 800 de las principales marcas internacionales en moda urbana y deportiva, BBBarcelona ofreció a sus visitantes una serie de actos muy destacados:

La leyenda del tatuaje y de la estética vintage Christian Audigier presentó en la Avenida, en un espacio de alrededor de 1000 m² y a través de una plataforma común, sus colecciones Christian Audigier, Ed Hary, Smet, Crystal Rock, Paco Chicano y C-BAR-A. Su impresionante actuación contó con desfiles diarios colectivos.

Wrangler volvió a convencer en BBBarcelona con un espectáculo increíble en Luna Park, dónde el espíritu de Wranger cobró vida con un impresionante espectáculo de motos.

Como de costumbre, la firma holandesa G-Star se presentó ante los visitantes especializados con un stand en el área Denim Base y ofreció increíbles desfiles diarios en la carpa G-Star de Luna Park.

Fueron muchos los actos organizados en el marco de BBBarcelona, como el desfile de Desigual del martes por la noche o el de Custo Barcelona del jueves, al que siguió una gran fiesta.

En la tercera planta del área Sport & Street se celebró por primera vez el rastro BREAD & BUTTER: tiendas internacionales de moda urbana como Azita (Fráncfort), Caliroots (Estocolmo), Index Book (Barcelona), Limiteditions (Barcelona), Reed Space (Nueva York), Slam Jam x Chikashitsu (Barcelona), Solebox (Berlín) y Wood Wood (Berlín/Copenhague), vendieron aquí «special collaboration items», tesoros de su vestuario personal y prendas de las colecciones de la temporada de invierno 2008.
De esta forma, los visitantes de BBBarcelona no sólo pudieron ir de compras de una forma muy especial sino que, por primera vez, disfrutaron de la plataforma comercial y de presentaciones de los minoristas dentro de BREAD & BUTTER.

Asimismo se dio continuidad a la colaboración con la Royal Academy of Fine Arts de Amberes. Bajo la batuta del director creativo Walter van Beirendonck, algunos estudiantes universitarios de primer ciclo mostraron sus trabajos en el marco de la exposición de diseño de B&B «The denim skirt; novel interpretations of a contemporary classic». Por primera vez, los estudiantes diseñaron faldas vaqueras. El fabricante de ropa vaquera TRC CANDIAN proporcionó la tela de forma gratuita para este proyecto.




Star Show Bread&Butter Barcelona

Minimal sin principios.



Pero si la “minimal art music” estaba en el origen mismo de la música electrónica, y si la etiqueta “minimal techno” ya lleva quince años rodando por ahí ¿Cómo se explica esta repentina explosión del término? ¿Es una verdadera revolución musical o es más bien una estrategia de marketing? A falta de una definición más precisa de lo que es minimal, la wikipedia inglesa acaba su referencia con una reflexión interesante:
“En la segunda mitad de 2006 el término minimal se ha vuelto contradictorio, pues sirve como denominador para los sonidos tech house del momento, muchos de los cuales debieran etiquetarse como “máximal” en términos de contenido sonoro, en contraste con el desnudo género electrónico minimalista”




Massi DL - Minimal Mushrooms

Si el concepto minimal se populariza en los clubs de música electrónica de baile, quizás es que el minimal ya no representa aquella música ambient, experimental y elemental más apropiada para ser escuchada que para ser bailada. A no ser que éste sea el objetivo último de la nueva fiebre minimalera: que la gente baile menos y escuche más.
Si así fuera el minimal representaría una reacción a los excesos del pasado y asistiríamos a un fenómeno similar a la resaca de la música disco de los primeros 80s, cuando el eslogan “disco sucks” resumía la nueva moda antidisco en la que el rock, como música discursiva que era, se imponía a la que se consideraba frívola y decadente música de discoteca. Si de lo que se trata ahora es de apaciguar la pista de baile, el minimal reflejaría una tendencia retrógrada, puritana y fundamentalista en lo estético, esto es, de retorno a la pureza de los fundamentos de la música electrónica, a sus orígenes experimentales menos eufóricos, y si ese retorno a los orígenes refrena el baile significará también un movimiento retrógrado en lo moral (bailar es pecar).
Esta nueva ola minimalista anuncia tres posibles escenarios.
- El primero es el del minimal ortodoxo y sectario, en el que este estilo se consolida fiel a sus principios como música minoritaria para escuchar más que para bailar, y se limita a sonar en algunos pocos clubs o en horarios de pre y post fiesta, dejando para géneros más enérgicos las horas centrales de las sesiones de baile.
- El segundo escenario es el del minimal ortodoxo y misionero, en el que este género musical sigue sin renunciar a su espíritu experimental y ambient, pero a diferencia del caso anterior los apóstoles del minimal se dedican a predicar la buena nueva y convierten al ascetismo, la sobriedad y la contención del minimal a las masas de fiesteros libertinos. Las salas de fiestas se convierten en lugares para el recogimiento y la devoción al nuevo estilo musical.



Lady Waks - Minimal

- En el tercer escenario, el del minimal heterodoxo y comercial, el minimal sería una marca de moda para etiquetar el new techno que evoluciona a partir de géneros ya conocidos, y englobaría buena parte del techno y house que se hacen en la actualidad y que incorporan en alguna medida los nuevos sonidos tipo clicks´n´cuts, glitch y scratch, pero este minimal comercial no renuncia a los graves potentes para marcar el ritmo en la pista de baile. Este minimal heterodoxo que se gana el favor de los clubbers más bailongos se aleja claramente de los fundamentos del minimal techno de los primeros 90s. Este minimal comercial responde a los principios marxistas de Groucho cuando decía aquello de: “Estos son mis principios. Si no le gustan tengo otros” (para que se entienda; este minimal no es minimal).
Estamos en un momento en el que el minimal ortodoxo y sectario ha dado paso al heterodoxo y comercial (con algunas dosis de ortodoxia misionera). Asistimos a la promoción de una marca. Y es que de todos los nombres que han recibido los nuevos géneros musicales electrónicos ninguno tiene la musicalidad, cosmopolitismo, elegancia y elitismo del término MI-NI-MAL. Frente a una marca tan brillante, palabros como microhouse, clicktechno, clicks’n’cuts o glitchcore tienen pocas posibilidades de éxito.

26 de enero de 2009

Los 90 el inicio de una nueva era “ Minimal “.


“El minimal techno es un subgénero minimalista de la música techno que se caracteriza por su desnudez, sus ritmos a base de percusiones electrónicas puras, un compás 4/4 (cuatro tiempos por compás), 120-135 bpm, la repetición de loops cortos y los cambios sutiles.”
Los 90 fueron años de creatividad expansiva en la música electrónica de baile, y aquel experimento minimal, más apropiado para ser escuchado y analizado que para ser bailado, quedó relegado al disfrute de unos pocos.
La última edición impresa de la “All Music Guide to Electrónica” no tiene entre sus miles de referencias el término “minimal”, aunque si tiene tres referencias al minimalismo de los 70s. “Loops Una historia de la música electrónica” tampoco cuenta con el minimal entre sus referencias, pero lo cita en un par de ocasiones hablando de “un techno al borde del minimalismo” para referirse a la evolución de Plastikman y Mike Ink. Otros libros anglosajones de cultura dj tampoco recogen el nuevo género. Pero si uno ojea las últimas ediciones de las revistas especializadas, el minimal resulta ser uno de los términos más citados. La búsqueda en Google del término “techno” “music” arroja 22.000.000 referencias, mientras que la de “minimal” “music” resulta ser de 19.500.000, muchísimas en comparación con las 220.000 del término “microhouse” o los 2.000.000 de “trance” “music”, por ejemplo. Atendiendo a estos resultados, la especie minimal que hasta ahora se consideraba una de tantas ramificaciones periféricas del techno, parece estar creciendo hasta convertirse en un tronco principal.

25 de enero de 2009

CURTIS MAYFIELD: FREDDIE´S DEAD


Y aquí, ahora, en este momento y no sin alguna dificultad técnica a la hora de traducir la letra, una de las mejores y míticas canciones de nuestro querido Curtis: Freddie´s dead, corte extraído de su Banda Sonora Original para el film 'SuperFly' de 1972). No la busquen en ningún video-club, porque me parece a mí que no...

Freddie´s dead

Hey Hey - Love Love - Yeh Yeh - Ah Ha
Freddies dead, thats what i said.
Let the man read, the plan, said it singing home
But his home was a rope and he should've known.
Everybody's misused him, ripped him up and abused him.
Another junkie plan, pushin' dope for the man.
A terrible blow, but thats how it goes.
A freddies on the corner now.
If you wanna be a junkie wow.
Remember freddies dead.
We're all built up with progress
But sometimes i must confess.
We can deal with rockets and dreams
But reality, what does it mean?
Ain't nothing said, cause freddies dead.
Hey Hey-Love Love-Ha Ha-Love Love-He Hey-Ha Ha-Yeh Yeh
Freddies dead
All i want is some peace of mind
With a little love i'm trying to find.
This could be such a beautiful world, with a wonderful girl.
I need a woman child. Don't wanna be like freddie now.
Cause freddies dead
Everybody's misused him, ripped him up and abused him.
Another junkie plan, pushin' dope for the man.
A freddies on the corner now.
If you wanna be a junkie why, remember freddies dead.
Ha Ha Ha Ha Ha freddies dead
Hey Hey - Ha Ha - Love Love - Ha Ha

Freddie está muerto

Freddie está muerto, es lo que digo.
Deja que el tío lea el plan, dijo cantando en casa.
Pero su casa era una cuerda y debería haberlo sabido.
Todos lo han maltratado, lo han engañado y han abusado de él.
Otro plan de drogatas, vendiendo mierda para el tío,
Un golpe terrible, pero así nos va.
Ahora hay un "freddie" en la esquina.
Si quieres ser un drogata
recuerda que Freddie está muerto.
Podemos negociar con cohetes y sueños,
pero solo a veces, tengo que confesar.
No hay nada dicho, porque Freddie está muerto.
Pero la realidad… ¿qué significa?
Todos hemos crecido con el progreso
Lo que quiero es tranquilidad,
intento encontrarla con un poco de amor.
Podría ser un mundo maravilloso,
con una chica preciosa.
Necesito una chiquilla.
No quiero ser como Freddie.
Porque Freddie está muerto.
Todos lo han maltratado,
lo han engañado y han abusado de él.
Otro plan de drogatas, vendiendo mierda para el tío.
Otro "freddie" está en la esquina.
Si quieres ser un yonki,
recuerda que Freddie está muerto.



CURTIS MAYFIELD: SUPERFLYING


En 1972, a Curtis le llegó el momento de convertirse de un aclamado artista estadounidense a una estrella internacional (como David Bisbal o Ámbar) gracias a la música para la película blaxploitation ‘Superfly’. El film fue un éxito arrollador -puede que no fuera así en Varsovia-, y la banda sonora de Curtis lo complementó de una manera espectacular. De hecho, dos de los grandes hits en la carrera de nuestro bro' fueron extraídos de este disco: Superfly y Freddie´s Dead, aunque sin olvidar otros temas destacados como Pusherman o Give me your love. Considerada como una de las mejores grabaciones dentro de la música negra contemporánea, ‘Superfly’ representó la cúspide en la carrera en solitario de Curtis.

Aunque nuestro pequeño gran hombre lanzó algunos discos menores a lo largo de los 70 y continuó supervisando el desarrollo creativo de su sello Curtom (ahora distribuido por Warners), nunca pudo acercarse a la fuerza de su banda sonora. Posiblemente su mejor obra post-‘Superfly’ sea ‘Short eyes’, curiosamente otra banda sonora escrita para una película en la que el propio Curtis tenía un papel. De ahí que la hipótesis de ser el hermano mayor de Gary Coleman cada vez tenga más peso entre los entendidos en la matería, sí, los mismos del "súper-groovy". Freaks... Free, free, free, free, así se subtitulaba la canción homónima del film. Un ejemplo de su actuación en el film (mucha atención a su diálogo):



La de los 80, como ha pasado con tantos buenos y decentes artistas (y no nos referimos precisamente a ése que estás pensando ahora mismo... Sí, Phil Collins), fue una década en la que Curtis se dedicó a hacer giras rememorativas de sus grandes éxitos en solitario, además de una reunión con The Impressions en la que participó su sensei Butler.

Llega la tragedia

La década de los 90 no empezó bien para nuestro Curtis, sobre todo cuando en Agosto de ese mismo año la tragedia se cebó con él: durante un concierto en Brooklyn, una de las parrillas de iluminación del escenario se descolgó a causa del fuerte viento, cayendo sobre Curtis y dejándolo tetraplégico. Ahí comenzó a apagarse la luz de uno de los máximos exponentes de la música negra de los últimos 50 años.

En los años siguientes, Curtis ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll y recibió varios galardones por su trayectoria, e incluso llegó a grabar un nuevo álbum en 1996: ‘New world order’. El proceso de grabación consumió mucho tiempo, aunque el resultado mereció la espera, con Curtis logrando su mejor éxito desde principios de los 70. Desgraciadamente, ése sería el canto de cisne de Curtis ya que nuestro hombre falleció de cáncer en un hospital de Atlanta, tras una larga agonía, el 26 de diciembre de 1999. D.E.P. junto al resto de brothers (James, Marvin...)

CURTIS MAYFIELD: IMPRESIONANDO CON THE IMPRESSIONS


Curtis no era guapo. Es más: seguramente al nacer podía ser confundido con un sapo. O en su juventud con el verdadero hermano mayor de Gary Coleman en la serie 'Arnold', cuyos recuerdos aún perduran en nuestros coraçaos. Pero nada de eso fue óbice para llegar a ser uno de los padres del soul-funk más auténticamente afroamericano. Adentrémonos, pues, en el fascinante mundo del funky y soul con Curtis Mayfield.

Foto: Curtis es el primero de la izquierda. De verdad.

Inmerso en la música ya desde muy pequeño, Curtis se había formado como guitarrista-vocalista y ya en 1957 se unió a The Impressions, bajo el liderazgo de Jerry Butler. A ver: estamos hablando de que un chaval regordete de Chicago, con 15 años, forma parte de un grupo que será mítico... Ventajas de una época sin televisión. El adolescente Curtis tuvo su primer éxito como autor en 1958 (¡¡con sólo 16 años, como Melody de Dos Hermanas!!) con For your precious love, antes de que Butler se largara a coger coquinas. "Es que el chaval sólo vale para esto, porque para modelo de lencería masculina no le veo", dijo alguna vez su madre a alguna vecina ciega. The Impressions llegaron a su primer Top 20 en 1960 con Gipsy Woman, y con un Curtis cada vez más prolífico a la hora de escribir canciones vía nuevo contrato el sello A.B.C.

Aquí una actuación con The Impressions:


A lo largo de la década de los 60, escribió una buena tanda de éxitos (más que los vídeos eróticos de Paris Hilton), incluyendo el We´re a winner, cuya letra reflejaba una importante conciencia sobre el movimiento de derechos civiles y la creciente confianza y determinación de la comunidad negra estadounidense. Comienzan a atisbarse los posteriores derroteros de la música negra de los 70.

Durante los 60, nuestro ‘soul-man’ también escribió para otras discográficas, lo que le inspiró para poner en marcha su propio sello, Curtom (distribuida a través de Buddah), no sin éxito, y si no que se lo pregunten a Donny Hathaway. Bueno, mejor que no se lo pregunten porque acabó un poco mal...

Abandona The Impressions en 1970 para caminar solo con un primer disco, ‘Curtis’, aclamado por la crítica y caracterizado por su patentado sonido funky acompañado por letras reivindicativas. A este álbum le siguió ‘Roots’, donde se incluyó la súper-groovy (leer sólo los entendidos en la materia) Keep on keeping on. Continuará...

23 de enero de 2009

Las nuevas generaciones.

Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan, EE. UU.) y la house (en Chicago, Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode y Pet Shop Boys, dúo británico de gran influencia musical en la actualidad, quienes generaron nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance europeo.

Jeff Mills.

El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente.
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Madonna, Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.

22 de enero de 2009

Del art rock al krautrock.


La banda alemana Kraftwerk fue la primera en experimentar y crear nuevos sonidos, ésta surgio de la conocida corriente krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.
Otro importante músico es el francés Jean-Michel Jarre, fue un experimentador excepcional, en la década de 1970 publicó Oxygene, el álbum que lo hizo globalmente famoso. Siendo su segundo álbum, vendió más de 16 millones de ejemplares en todo el mundo y se convirtió en uno los mayores éxitos de la historia de la música francesa y en un emblema de la música electrónica de la era analógica con cerca de 86 millones de discos vendidos de toda su discografía.
Incluso, Jarre fue el primer músico occidental en realizar una gira por la China post-Mao, en conseguir la mayor audiencia en directo en los cinco continentes con 3,5 millones de espectadores, en llevar la música electrónica a la Ópera de París, en subastar una única copia de uno de sus LP, en congregar más de un millón de espectadores en un concierto en la Plaza de la Concordia de París en 1979 y 2,5 millones en La Défense, también en París, en 1990.

El Rock y los primeros sintetizadores.


Esos primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos teclistas, como Keith Emerson (de Emerson, Lake and Palmer) los utilizaban en sus recitales.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más baratos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Uno de llos primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd.
Pink floyd.

Aunque no toda su música era electrónica (con la destacada excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan cliché que a mediados de los setenta, el grupo británico Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía «¡Sin sintetizadores!».
Sobre todo en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.

Años de transición de la Música Electrónica.

Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.
En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989).
A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor amateur Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los tonos) pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó su instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (música del espacio exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations de The Beach Boys (1966).
La compositora y clavecinista Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog.
Pink Floyd

El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el secuenciador).
En 1966 Pierre Schaeffer fundó Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica.

Del Ruido a la Música Electrónica.

En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruidos y cajas de música electrónicas. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos musicales electrónicos comerciales.
El theremin (theremin, théremin o théreminvox), llamado en su versión primitiva aetherophone (eterófono), es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, y el primer sintetizador de la Historia, inventado en 1919 por el físico ruso Lev Serguéievich Termen.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado ondas Martenot, consistente en un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano.
En 1950, Pierre Schaeffer, ingeniero de sonido y compositor , fundó el estudio de Radio Francia en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas.
Las principales técnicas consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Toda esta elaboración, dio lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de grabaciones provenientes del mundo real.
Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.
A finales de la década de 1940, Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos.
Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva. Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.

19 de enero de 2009

5. PACO DE LUCÍA (Flamenco, Jazz, Rock)

Paco de Lucía es uno de los precursores de un flamenco popular y mestizo entrando en el terreno del rock, el jazz o el pop. Además se le atribuye la inclusión del cajón, que tomó de la música afroperuana para convertirlo en el acompañamiento de percusión idóneo para su toque y que se consolidaría en el flamenco contemporáneo.Consiguió por tanto innovar y conseguir que su labor se reconociera internacionalmente dentro de un lenguaje tan purista y cerrado como es el flamenco. Tuvo el arrojo de atreverse a interpretar “El concierto de Aranjuez” del maestro Joaquín Rodrigo de memoria como uno de los mayores retos de su carrera, puesto que apenas tiene nociones básicas de solfeo. Es curisoso el momento “pique” que en el recordado programa de televisión “El séptimo de caballería” le midió al guitarrista de Dire Straits, Mark Knopfler, al que primero pudo emular en un punteo para después proponerle un “riff” flamenco con el que Knoplfer, sombrero en mano, ni siquiera se atrevió.

El duende que a continuación ves no se estudia ni se aprende en ningún sitio, ni siquiera en el Berklee College of Music...

4. HERMAN LI (guitarrista del grupo Dragonforce)

El guitarra solista de Dragonforce está considerado el más veloz y frenético del panorama metal actual. Su técnica es tan extremadamente rápida que muchos empezaron a cuestionar la autenticidad de su música, la ridiculizaron y la etiquetaron como “música para videojuegos”. Esta crítica puede parecer exagerada, pero deberias tener en cuenta que las influencias musicales de Li provienen de sonidos de videojuegos arcade de ordenadores y maquinas recreativas de finales de los años 80 y comienzo de los 90 hasta el punto de incluir en alguno de los temas de Dragonforce sonidos sacados de Pac-Man o Mortal Kombat.
Es curioso que Li se relaje durante las giras jugando a Guitar Hero, exitoso videojuego musical que ha ayudado a Dragonforce a darse a conocer al gran público y hacerse así un hueco importante en la esfera metal actual.

Aquí lo puedes ver y oir junto a su compañero de banda Sam Totman.

3. JIMMY HENDRIX (guitarrista eléctrico, cantante)

Qué vamos a decir de este lunático que no sepais… era zurdo, suspendió música en el colegio y declaró ser homosexual ante el psicólogo para tratar de librarse del reclutamiento militar, pero no está aquí por eso. Hendrix es uno de los músicos mas influyentes de la historia y en su breve pero intensa carrera (falleció en extrañas circunstancias a la edad de 27 años, la misma con la que fallecieron Jim Morrison, Janis Joplin o Kurt Cobain)fue el precursor de las estructuras y el sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock, creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk. Además este tipo era todo un espectáculo en directo. Cantaba sus canciones y tocaba en cada concierto como si fuese el último de sus dias hasta el punto de entrar en trance y tocar la guitarra con los dientes e incluso de espaldas.

Disfruta este video de uno de sus grandes temas.

2. STEVE VAI (solista eléctrico)

Este endiablado solista es uno de los miembros habituales del G-3 (reunión puntual de “Masters Guitar”). Algunos consideran su estilo y técnicas como propios de un pacto con el maligno. Quizá lo hagan porque nació el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York y cumplió seis años el sexto día del sexto mes de 1966. Lo que muchos desconocen es su compromiso con la práctica. Vai ha reconocido en declaraciones a varias revistas especializadas practicar ocho horas por día, un hábito que comenzó temprano, durante su etapa en la secundaria, en la misma época que comenzó a tomar clases del gran John Petrucci.
Siempre se le ha considerado un innovador de la guitarra, capaz de aportar nuevos sonidos e incluso de crear sorpredentes guitarras múlltiples. A él se le debe la creación de las guitarras de siete cuerdas, y el desarrollo de las guitarras de dos mástiles cruzados y la exclusiva Ibanez JEM Tripleneck de tres mástiles que puedes ver en este video.



Es curioso que en 1986 Steve Vai se aventurara a protagonzar "Crossroads" junto al actor Ralph Macchio(sí, sí, el mítico Daniel Sam de Karate Kid). La película no tiene desperdicio ninguno. En ella Vai interpreta a un guitarrista discípulo del diablo y Macchio (cuyos fraseos de guitarra fueron grabados por el gran Ry Cooder, creador de la BSO de "Paris Texas")a un joven guitarrista que reta al primero para recuperar el alma de un viejo bluesman. Toda una perla de los ochenta vaya...

1. ANDY MCKEE (Solista Acústico)

Podiamos contar muchas cosas para explicar porqué este completo desconocido está en esta lista. Nos fascina la sensibilidad y el buen gusto compositivo de Mckee, nos sorprenden los insólitos instrumentos con los que “juega”, sus dotes para imprimir elementos percusivos a sus melodías, y su capacidad de crear afinaciones originales y enriquecedoras que conjuga con posiciones de cejilla (capo) totalmente genuinas. Podiamos seguir alabando a este tío, pero preferimos dejar de hacerte perder el tiempo y te animamos a ver los siguiente videos, si es posible con un cubo y una fregona a mano...


Este video llegó a ser portada de Youtube,tras conseguir más de 7.300.000 visitas y la máxima puntuación de todas las composiciones de la página.


Aquí da muestras de su sensibilidad compositiva e interpretativa.

1. MAESTROS DE LA GUITARRA

Porque en Perros y flautas hacemos nuestras heces sobre la lista de mejores guitarristas que “instituyó” Rolling Stones te proponemos hacer una que tenga fundamento. Aquí nuestros candidatos a “Mejor Guitarrista de todos los tiempos”. Tenemos de todo. Desde un blanquito gordo, calvo y barbudo que toca la guitarra acústica (y cualquier cosa que se asemeja a esta y que ni siquiera conocías) con la facilidad con la que te cepillas los dientes, un asiático melenudo y muy frikie que toca Metal a la velocidad de la luz, un incendiario negrata que ponía la vida en cada una de sus interpretaciones y sus psicodélicos solos de guitarra y por supuesto en este aparente chiste multirracial no podía faltar el típico españolito moreno y bajito.

Si de todos modos nuestra propuesta no te convence, siempre puedes dejar tu voto en "otros" y dejar un comentario en esta entrada con tu favorito. Algunas de nuestras propuestas alternativas serían: Joe Satriani, Yngwie Malmsteem, Michael Angelo Batio, Buckethead, John Williams, Nuno Bettencourt, Larry LaLonde, John Petrucci, Eric Johnson, Al di Meola, Paul Gilbert, John Mclaughlin, John Petrucci, Frank Zappa, Jimmy Page, Brian May, Don Ross, Robert Fripp, Pat Metheny, Chet Atkins, Eddie Van Halen, Alex Lifeson, David Gilmour, Ron Thal, Larry Carlton, Lee Ritenour, Steve Lukather, George Benson, Steve Ray Vaughan, Ry Cooder,Eddie Van Halen , Jeff Beck, Eric Clapton

18 de enero de 2009

EL RINCON DE LOS VIRTUOSOS

Bienvenido al rincón de los virtuosos. En esta sección trataremos de sorprenderte. Te presentaremos, por si aún nos los conoces, a los más grandes y prodigiosos músicos de este y otros tiempos y tú puedes ayudarnos a elegir al más grande de entre los grandes. Los iremos agrupando según instrumento o categoría musical y si quieres puedes votar para ayudarnos a crear lo que podría dar lugar al grupo más “chiriperriflaútico” que la historia jamás conoció. Esperamos que disfrutes del virtuosismo técnico, la capacidad de innovar y la interpretación personal del lenguaje musical de cada uno de estos seres únicos bendecidos para la música. Teniendo en cuenta estos aspectos, te animamos a que nos trasmitas tu opinión rellenando nuestro test/encuesta tras ver los videos que de cada uno te presentamos, y asi podamos conocer cual de los artistas o grupos te ha impresionado más. Esperamos tu voto y por supuesto también tus propuestas para hacer más grande, democrática y útil esta sección.

'Virtuoso' by David Adickes 1983, in front of the Lyric Center, Houston, Texas
La foto que ves pertenece a una escultura llamada "The Virtuoso" creada en 1983 por el artista plástico David Adickes. Este Cellista, con la cara de Alonso Quijano "El Quijote" y el cuerpo de Luis XVI, mide 36 pies de altura (unos 10 metros de altura, lo que equivale a un castellet formado por 1.024 yorkshires). Está en frente del Lyric Center en Houston, Texas, USA. Lo curioso es que cuenta con un sistema de sonido que reproduce durante 24 horas diarias una pieza de Cello.

13 de enero de 2009

CANTAUTORES, CRONISTAS DE LA SOCIEDAD. III Parte: Herencia musical

En la época de la transición surge en Madrid el movimiento denominado “La movida”, aunque se ve reducida otra vez a pequeños escenarios urbanos. Dos canciones nos muestran las dos caras del paisaje humano y urbano de este periodo.
“Un travestí perdido, un guardia pendenciero, pelos colorados, chinchetas en los cueros, rockeros insurgentes, modernos complacientes, poetas y colgados, aires de libertad” Suburbano, La puerta de Alcalá.

“Las niñas ya no quieren ser princesas y a los niños les da por perseguir el mar dentro de un vaso de cerveza. Pongamos que hablo de Madrid. El sol es una estufa de butano, la vida un metro a punto de partir, hay una jeringuilla en el lavado. Pongamos que hablo de Madrid”. J. Sabina, Pongamos que hablo de Madrid.

A finales de los años 80, la desmovilización y el medio televisivo empezaron a repercutir en la música de autor. Aparecieron nuevas modas y nuevos ritmos. A pesar de todo, los cantautores continúan componiendo canciones e incorporando en sus conciertos instrumentos y elementos del mundo del rock, aunque poco a poco empiezan a ser remplazados por las nuevas estéticas.

Pero tras una década de declive, la canción de autor vuelve a florecer en los años 90 con la voz de cantautores jóvenes que recuperan los temas de siempre, tales como Pedro Guerra, Ismael Serrano, Amaral, Javier Álvarez y Manu Chao. Estos conectan muy bien con el lenguaje y la sensibilidad de los jóvenes. Sus temas nos hablan del amor, de la necesidad y la inseguridad. Así aparecen canciones como No pondré barrotes a la esquina de tu cama… de Pedro Guerra, que trata del desamor. O la canción Ya estoy curado, anestesiado, ya no me acuerdo de ti sobre la soledad, de Manu Chao.

Si en los años 70 se cantaba por la libertad, hoy los cantautores cantan por la solidaridad, canciones como Contamíname de Pedro Guerra, o Clandestino de Manu Chao trascienden las fronteras y reivindican el mestizaje. Aunque actualmente muchos se dejan llevar por los nuevos productos comerciales como los “triunfitos”, siempre permanecerán las letras de estos artistas que luchaban y se preocupaban por los problemas de la sociedad; sin olvidar, a los nuevos cantautores que expresan todo lo que aun queda por hacer.

Foto: Square eye

AGENDA MUSICAL ENERO 2009

Y a continuación, como venimos haciendo en los últimos treinta segundos, la agenda de conciertos musico-vocales del mes recomendados expresamente por Perros y Flautas (bajo ningún tipo de coacción física... aún):

FLAMENCO Y JAZZ Y...


desde el 21/01/08 hasta 30/01/09

Juventudes Musicales

Concierto de ALEXANDER YAKOVLEV, Piano. Miércoles 21 de Enero de 2009
Concierto de CHENYIN LI, Piano. Miércoles 28 de Enero de 2009
Concierto de DAVID CARO, Piano. Viernes 30 de Enero de 2009
Sala Joaquín Turina (Fundación Cajasol). C/ Laraña, 4 a las 20.00 horas
Gratuito previa recogida de la invitación desde los dos días antes del concierto en la taquilla de la Fundación Cajasol


desde 03/01/09 hasta 30/01/09

Programación de conciertos para el mes de enero en la SALA Q.
C/ Metalurgia, Polg. Ind. Calonge.

Día 03 Sábado SPHINX & FRIENDS Mas de 10 bandas colaboradoras
Día 09 Viernes ATAKE PREVENTIVO + SUBLIMINAL CHAOS + TALIESYN + GUARIDA + HYBERNIA III Festival Emision Metal
Día 10 Sábado REINO DE HADES + ANKOR + EROSION + EMPYRICA + MAUSER III Festival Emision Metal
Día 16 Viernes NACH + LESKY + ABRAM
Día 17 Sábado XI Aniversario Moto Club JAGUARS
Día 24 Sábado Ghotic Party
Día 30 Sábado Noche de BLUES Sevillano LOLO ORTEGA + ANDABLUSES + BLUEKEY + MINGO BALAGUER + THE PURETONES + EMBLUSTEROS


desde 22/01/09 hasta 29/01/09

JUEVES FLAMENCOS.
Programación para el mes de enero:
Jueves día 22: "Dos voces, un mundo". Montse Cortés & La Tana (Estreno)
Jueves día 29: "Suite Flamenca". Fuensanta La Moneta, Compañía de Baile
Lugar: Sala Joaquín Turina. Centro Cultural El Monte. 21.00 horas
Fundación El Monte, c/ Laraña 4, 3ª planta, 41003 · Sevilla
Tlf. 954 508 200 / Fax: 954 508 213 /email: fundacion@fundelmonte.es


desde 02/02/09 hasta 09/02/09

XXIV Ciclo Conocer el Flamenco
Día 2 de febrero: Belén Maya Compañía y José Luis Rodríguez.
Belén Maya Compañía. Cante: Juan José Amador (hijo) y Juan corbacho. Flamenco íntimo
José Luís Rodríguez. En concierto
Día 9 de febrero: Ecos de Morón y Utrera
El cante de Rafael de Utrera
Guitarra Daniel Méndez y el baile de Carmen Lozano
Entrada libre hasta completar aforo. Recogida de invitaciones desde las 20:00 horas en el lugar del espectáculo.
Lugar: Salón de Actos de la E.U. Politécnica. Esquina (C/ Niebla esquina con C/ Virgen de África) Hora: 21:00

desde 09/02/09 hasta 16/02/09

Ciclo: "Los Lunes con Nuestros Músicos". Casa de la Provincia

Conciertos:
Día 9: Manuel de la Luz"Joven guitarrista con su grupo de flamenco de cámara.
Día 16: Kenneth Saulnier con Blue Mountain". Flok y bluegrass contemporáneo con el gran multi-instrumentista canadiense tan vinculadoa Sevilla.

Todos los conciertos serán en La Casa de la Provincia a las 20:30 horas.
Entrada gratuita hasta completar aforo.


desde 24/02/09 hasta 26/05/09

Flamenco viene del Sur 2009.
Lugar: Teatro Central, Isla de la Cartuja, Avda. José de Gálvez s/n 41092

Descripción: "Flamenco Viene del Sur" llega más al sur en su décimo segunda edición al ampliar su programación en una ciudad más: Almería, que se suma a las que se añadieron al ciclo en la pasada edición, Cádiz, Córdoba y Jaén, y mantiene su presencia estable en Sevilla, Granada y
Málaga, donde se ha celebrado respectivamente desde 1997, 1999 y 2003. De esta forma se consolida como el circuito de flamenco andaluz de referencia.
"Flamenco Viene del Sur" mantiene los objetivos con los que se puso en marcha hace doce años: la creación de nuevos públicos; la profesionalización del sector; romper con la estacionalidad de los festivales flamencos, relegados al periodo estival, y, en definitiva, normalizar la presencia del arte jondo en los escenarios con una programación estable y de calidad.
Precio: 15 €. 11 € para jóvenes portadores del carnet joven y para desempleados. Teléfono Info.: 954 787 029

PROGRAMACIÓN:
24/02 -Suspiro flamenco. Manuela Carrasco
03/03 - Recital de El Pele. El Pele
10/03 - De Marbella a San Roque. Cancanilla de Marbella y Canela de San Roque
24/03 - Recital de Antonio Reyes y Pansequito. Antonio Reyes y Pansequito
14/04 - Dorantes Flamenco Session con Pastora Galván como artista
invitada. David Peña Dorantes y Pastora Galván.
21/04 - Trimilenaria. David Palomar
05/05 - Desde Triana. Chiquetete y La Susi
12/05 - Chanta la mui. Olga Pericet, Daniel Doña y Marco Flores
26/05 - Compadres. Manolo Franco y Niño de Pura


desde 25/02/09 hasta 26/02/09

REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA. Director artístico Pedro Halffter.

Teatro de la Maestranza. Conciertos de abono

11 de abono. III Ciclo de Conciertos de Intercambio entre Orquestas.
Orquesta invitada Orquesta Ciudad de Granada. YOAV TALMI director
-C. W. GLUCK. Don Juan, (fragmentos del ballet)
-Y. TALMI. Elegía para cuerdas, timbales y acordeón
-L. BEETHOVEN. Leonora III, obertura en Do mayor, op. 72a
-L. BEETHVOEN. Sinfonía núm. 5 en Do menor, op. 67

SEVILLA
DIEZ DE PACO. Concierto homenaje a Paco de Lucía que te cagas con Chano Domínguez al piano, Jorge Pardo a la flauta y el saxo, Carles Benavent al bajo, Tino Di Geraldo a la percusión y batería y Chonchi Heredia al cante.

EL31 DE ENERO A LAS 20:30 H EN EL TEATRO DE LA MAESTRANZA, PASEO DE COLÓN, 22. PRECIO DE LA ENTRADA: 19-33 LEUR.

ALCALÁ DE GUADAIRA (SEVILLA)
DIEGO AMADOR TRÍO en concierto.

EL 23 DE ENERO A LAS 21 H EN EL TEATRO GUTIÉRREZ ALBA. PRECIO DE LA ENTRADA: 10 LEUR ¡PERO...! HAY PRECIO ESPECIAL DE 5 LEUR PARA LOS DESEMPLEADOS (TODO EL AFORO), ESTUDIANTES Y JUBILADOS SÓLO PRESENTANDO LOS RESPECTIVOS CARNELES.

SAN ROQUE (CAI)
LO QUE ME DICE TU BOCA. JAVIER RUIBAL TRIO.

EL 16 DE ENERO A LAS 21 H. TEATRO JUAN LUIS GALIARDO. PRECIO DE LA ENTRADA: 10 LEUR. ADQUISICIÓN ANTICIPADA DE ENTRADA EN FMC LUIS ORTEGA BRÚ.

GRANADA
I FESTIVAL DE CINE CLÁSICO DE GRANADA. MONICA MANCINI Y SU BIG BAND. Esta hija de Henry Mancini tocará algunos de los temas más famosos de su genial padre.

EL 24 DE ENERO EN EL TEATRO ISABEL LA CATÓLICA (MANDA COJONES EN GRANADA), C/ ALMONA DEL CAMPILLO, 2.

MESTIZAJE, FUSIÓN, CRISOL DE CULTURAS...

SEVILLA
AMIGOS DE GUINNESS. Música iris para danzar junto a elfos y enanos en el patio sevillano de El Poney Pisador.

EL 31 DE ENERO A LAS 22 H EN LA SALA MALANDAR, C/ TORNEO, 43. PRECIO DE LA ENTRADA: 5 LEUR.

EL EJIDO (ALMERÍA)
SOULERÍA. PITINGO. Fusión de flamenco, gospel, éxitos del pop internacional y dos huevos duros.

EL 24 DE ENERO A LAS 21:30 EN EL AUDITORIO.

ROCK Y POP

MÁLAGA
VAN DER GRAAFF GENERATOR. Grupo clásico entre los clásicos del rock progresivo, tanto como el nombre.

EL 26 DE ENERO A LAS 20:30 H EN EL TEATRO CERVANTES, C/RAMOS MARÍN, S/N. PRECIO DE LA ENTRADA: 16-21 LEUR.

MARINALEDA (SEVILLA)
LA SUITE BIZARRE. Grupo emigrante (como Juanito Valderrama) en Manchester que tocan canciones psicodélicas modernas pero retro... En fin, un grupo greñoso de mucho éxito por ahí, por lo que lo mejor será ir a verlos.

EL 22 Y 23 DE ENERO, A LAS 22 H, EN LA SALA PALO PALO, AV. LIBERTAD, S/N (LO NORMAL). ENTRADA LIBRE (LÓGICAMENTE)

ELECTRÓNICA
SEVILLA
MIQUI PUIG DJ. El de los sencillos y Factor X.

PINCHA EL 30 DE ENERO EN LA SALA OBBIO. WARM UP: ESTILO IMPERIO. WARM LAP: ALONSO SEGUIDO DE RAIKONNEN Y MASSA.

MUSICA AÑEJA

SEVILLA
CICLO 'GRANDES PIANISTAS'.

21 ENERO: ALEXANDER YAKOVLEV (SCARLATTI, BEETHOVEN, PROKOFIEV, TAMARA...).
28 ENERO: CHENYN LI (BACH, RACHMANINOV, GAO PING, HU JINTAO...).
AMBOS CONCIERTOS COMIENZAN A LAS 20 H EN LA SALA JOAQUÍN TURINA. C/LARAÑA, 4. LA ENTRADA ES GRATUITA. LAS INVITACIONES SE PUEDEN RECOGER EN LAS TAQUILLAS DE LA FUNDACIÓN EL MONTE DESDE LOS DÍAS LABORALES ANTERIORES A LOS CONCIERTOS.

CÓRDOBA
MÚSICA SEFARDÍ Y KLEZMER. GRUPO BAET. Patrocinado por la Fundación Tres Culturas en homenaje a las víctimas del Holocausto.

EL 30 DE ENERO A PARTIR DE LAS 19 H EN LA CASA DE SEFARAD. C/ JUDÍOS S/N (FRENTE A SINAGOGA, TODO QUEDA EN CASA).

GRANADA
I FESTIVAL DE CINE CLÁSICO DE GRANADA. ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA. Tocarán temas de cine clásico (no hay que ser un lince para darse cuenta).

EL 30 DE ENERO A PARTIR DE LAS 21 H EN EL PALACIO DE CONGRESOS. MÁS INFORMACIÓN EN www.orquestaciudadgranada.es.

CANTAUTORES, CRONISTAS DE LA SOCIEDAD. II Parte: Aires de libertad

Tras la muerte del dictador, en 1975, una capa de incertidumbre cubría el ambiente, pues la alegría y la esperanza convivían con el miedo de que las fuerzas que habían gobernado hasta el momento permanecieran. Aún así, los cantautores no permanecieron en sus casas, y al igual que habían hecho con Franco todavía vivo, salieron y se introdujeron entre la ciudadanía en las manifestaciones, llegando incluso a llenar estadios. Su éxito fue grandioso, ya que se identificaban con los sentimientos de esperanza y desconfianza de un público que por primera vez podía respirar aire de libertad en el país.

En este periodo de transición, las canciones prohibidas se coreaban en público y los artistas perseguidos recibían la ovación de la multitud y participaban activamente en la primera campaña electoral en apoyo de coaliciones y partidos de izquierda. Pronto, el término cantautor, identificado como una forma de hacer en la que el fondo prevalece sobre la forma y la letra sobre la música, perderá su prestigio. Es más, a su significado estricto del concepto, cantante que interpreta sus propias composiciones o pone música a versos ajenos, se incorpora una pesada rémora, hasta el punto de que muchos artistas renunciarán de su condición.

A día de hoy hay cantantes que aunque componen sus propias letras, no se definen como cantautores. Este es el caso de David Cordero, un joven entusiasta que es miembro del grupo “Úrsula” en Sevilla.
“Yo no soy cantautor, a mi no me van esas cosas, los cantautores tienen un estilo muy definido, llevando a cabo canciones protesta, eso no es lo mío.” David Cordero

En estos años de cambio, una de las canciones más relevantes fue Libertad sin ira, en la que se expresa la voluntad de superación del lastre histórico de los dos bandos contendientes en la Guerra Civil. Se trata de un himno que caló muy hondo en la sociedad. De hecho, aun se sigue cantando en las manifestaciones por la paz, con la intención de poner fin a los atentados terroristas.
“Libertad sin ira, guárdate tu miedo y tu ira, porque hay libertad sin ira, libertad y si no la hay sin duda la habrá…” Jarcha, Libertad sin ira

CANTAUTORES, CRONISTAS DE LA SOCIEDAD. I Parte: Bajo la censura franquista

En cada rincón del mundo hay un artista que mezcla poesía y música para relatar la historia de la sociedad donde vive. Se nutre de experiencias propias y ajenas para protestar contra las injusticias sociales. Es por ello, que los cantautores nos han ayudado a abrir los ojos y ver la vida desde otra perspectiva.

Años atrás, cuando aun Franco tenía el poder en sus manos, en 1956, Paco Ibáñez pone música y voz a una letra de Góngora “La más bella niña”. Emprende así su camino hacia la canción de autor española en Paris. La censura franquista y la frontera de los Pirineos, que nos separan de Francia, impedían la difusión de las canciones de este artista fuera del campo de la intelectualidad y la clandestinidad. Sin embargo, estas circunstancias no obstaculizaron la aparición de un nuevo movimiento, llamado la Nova canço (Nueva canción) catalana, apoyada por una industria cultural propia y centrada en la defensa de la lengua.

En poco tiempo, la Nova canço se convirtió en un modelo a seguir por otras regiones de España. Fue así como aparecieron la Nueva Canción Castellana y Canción del Pueblo, en Castilla, grupos como Jarcha y Aguaviva, en Andalucía, Voces Ceibes en Galicia o cantantes como Benito Lertxundi en el País Vasco. Todos ellos reivindicaban sus lenguas y sus raíces, ofreciendo algo más de lo que podían aportar los productos comerciales de la época.

A estos artistas se unieron nuevos cantautores con letras en español, tales como Víctor Manuel, Joaquín Sabina, Javier Krahe, Cecilia, Aute o Ana Belén. Este género musical empezó a tener éxito. Es por ello que la novedad y la vitalidad de la nueva canción suscitarán, a finales de los años sesenta, el interés de las compañías discográficas nacionales que siempre habían desconfiado de lo que despectivamente llamaban “canción protesta”. Esto se debía a que la mayor parte de los cantautores se vinculaban en lo personal y en lo artístico con la izquierda antifranquista.

Debido a la situación de censura que se vivía en los años 70 en España, los cantautores se vieron obligados a cantar en teatros locales, centros parroquiales y en escenarios, a veces secretos y muy pequeños. Les acompañaba un ambiente cultural y una contestación social, aunque la mayoría de las personas eran universitarias o sindicalistas clandestinos.

Foto: Inma Bermejo

11 de enero de 2009

DEL GENESIS AL APOCALIPSIS (Part Three)

Y ahora, para todos los perroflautas del mundo, sobre todo para los más progresivos (que no progresistas), la letra y subsiguiente traducción al castellano de una de sus canciones más clásicas: The Musical Box, del álbum 'Nursery Crime' (1971). Asimismo, debajo podréis encontrar una actuación en directo extraída de nuestros amigos, nuestros hermanos, el Gran Hermano: Youtube (Al menos os ahorramos unos 33 segundos de búsqueda).


The Musical Box (Gabriel, Rutherford)

Play me Old King Cole
That I may join with you,
All your hearts now seem so far from me.
It hardly seems to matter now.

And the nurse will tell you lies
Of a kingdom beyond the skies.
But I am lost within this half-world,
It hardly seems to matter now.

Play me my song. Here it comes again.
Play me my song. Here it comes again.

Just a little bit, just a little bit more time,
Time left to live out my life.

Play me my song. Here it comes again.
Play me my song. Here it comes again.


Old King Cole was a merry old soul,
And a merry old soul was he.
So he called for his pipe,
And he called for his bowl,
And he called for his fiddlers three.

But the clock, tick-tock,
On the mantlepiece
And I want, and I feel, and I know, and I touch,
Her warmth...

She's a lady, she's got time.
Brush back your hair,
and let me get to know your face.
She's a lady, she is mine.
Brush back your hair,
and let me get to know your flesh.

I've been waiting here for so long
And all this time has passed me by.
It doesn't seem to matter now.
You stand there with your fixed expression
Casting doubt on all I have to say.

Why don't you touch me, touch me,
Why don't you touch me, touch me,
Touch me now, now, now, now, now...


La Caja Musical

Toca, viejo King Cole,
que yo te acompañaré,
todos tus sentimientos parecen tan lejos de mi.
Apenas me importan ahora.

Y la niñera te contará mentiras
de un reino más allá de los cielos.
Pero estoy perdido dentro de este medio mundo,
apenas me importa ahora.

Toca mi canción. Aquí está otra vez.
Toca mi canción. Aquí está otra vez.

Sólo un poco, sólo un poco más de tiempo,
tiempo para vivir el resto de mi vida.

Toca mi canción, aquí está otra vez.
Toca mi canción, aquí está otra vez.

El viejo King Cole era un viejo alegre,
y un viejo alegre era.
Pedía su pipa,
y pedía su taza,
y llamaba a sus tres violinistas.

Pero el reloj, tic-toc,
sobre el mantel,
y quiero, y siento, y veo, y toco,
su calor…

Ella es una dama, tiene tiempo.
Cepilla hacia atrás tu pelo
y déjame ver tu cara.
Es una dama, ella es mía.
Cepilla hacia atrás tu pelo
y déjame ver tu carne.

Llevo demasiado aquí esperando
y todo este tiempo ha pasado de largo,
apenas me importa ahora.
Ahí estás con tu expresión fija
dudando de todo lo que tengo que decir.

¿Por qué no me tocas? Tócame.
¿Por qué no me tocas? Tócame,
tócame ahora, ahora, ahora, ahora, ahora…

HISTORIA: DEL GENESIS AL APOCALIPSIS (Part Two)

(Viene de la Part One)

8.Y entonces llegaron al grupo Phil Collins y Steve Hackett, quienes sustituyen al batería John Mayhew (el cual había sustituido anteriormente al posterior escritor de best-seller afincado en las Alpujarras granaínas Chris Stewart) y a Anthony Phillips en las seis cuerdas. Con esta formación sale a la luz en 1971 ‘Nursery Crime’, que incluía otras dos joyas clásicas en el repertorio genesiano: The Musical Box y The return of the Giant Hogweed. 9. Y Genesis se convirtió en uno de los grupos líderes dentro del movimiento del rock progresivo, guiado por un mesías bizarro como Gabriel. Pero no sólo El: su joven apóstolPhil Collins comienza a destacar en la congregación, debutando brevemente como cantante con la canción For absent friends. 10.Satanás se dejaba ver.

11.En 1972, con las espaldas laceradas por las actuaciones, Genesis logró sacar su primer éxito en las listas de discos con su obra maestra, ‘Foxtrot’, llegando al Top 20 en el Reino Unido. 12.Dios quiso que esta obra contuviera, además, la mejor y más completa canción del grupo: Supper´s ready, una pieza de 23 minutos donde se resume lo mejor de la banda. 13.Dios quedóse satisfecho de su creación.

14.Más tarde, en 1973, llegó ‘Genesis Live’, el álbum en directo en el que se recogen los mejores temas de la banda hasta entonces (sin incluir, eso sí, Supper´s ready). 15.Dios quiso, en su Magnanimidad, que se elevara hasta el Top 10 del altar británico. Asi igual ocurrió con el álbum de estudio, ‘Selling England by the pound’. 16. Este contenía otro tema épico con The Battle of the Epping Forest así como otra incursión vocal de Collins en More fool me y un single que a punto estuvo de llegar al Top 20 como era la pegadiza I know what I like (in your wardrobe). Pero Satanás asomaba la cabeza.

17.A finales de 1974 llegaron de nuevo al Top 10 con su siguiente disco, un doble álbum conceptual llamado ‘The lamb lies down on Broadway’, el cual, además, fue el primer Top 50 de la banda en Estados Unidos y con una gira por todo el mundo. 18.Pero Dios quiso que Satán tuviera presencia en la Tierra y tras el último concierto de esta gira, en mayo de 1975, el arcángel Gabriel, el favorito del Padre, anuncia que abandona la orden de Genesis para emprender su carrera en solitario, dejando a Collins las responsabilidades vocales a partir de entonces. 19.Y Satán se presentó en forma de decadencia progresiva.

20.A pesar de esta circunstancia, sorprendentemente el grupo no se resiente en el ámbito comercial farisaico cuando en 1976 sale a la luz el álbum ‘A thick of the tail’, Top 3. El nuevo mesías Collins sigue con la batería en estudio, aunque en directo serán primero Bill Bruford y después Chester Thompson los que acompañen en la difusión del mensaje. 21.En 1977 vendrá el segundo disco en directo de la banda, ‘Seconds out’. Y Dios pondrá definitivamente a prueba a la banda, porque será el último en el que esté Steve Hackett, quien, al igual que hiciera Gabriel, iniciará una lucrativa carrera en solitario. 22.El maligno toma las riendas del grupo, por lo que el siguiente álbum se tituló, lógicamente, ‘… and then there were three’, llegando de nuevo al Top 3 en las islas y al Top 20 allende los mares, conquistando a los infieles con la Palabra errada. 23.A partir de entonces, la decadencia de los ochenta: muchos singles y discos número 1 pero con un estilo muy alejado del progresivo con el que el arcangel Gabriel encumbró a Genesis como una de las bandas más importantes del rock de la Historia. 24. Loado sea Dios, te alabamos Señor.

HISTORIA: DEL GENESIS AL APOCALIPSIS (Part One)

En el principio creó Dios los cielos y la tierra (Perros y Flautas vendría más tarde). Y la tierra estaba desordenada y vacía, y las tinieblas estaban sobre la faz del abismo, y el Espíritu de Dios se movía sobre la faz de las aguas. Y dijo Dios: Sea la luz; y fue la luz. Y vio Dios que la luz era buena; y separó Dios la luz de las tinieblas. Y después se marchó Peter Gabriel y regresaron las tinieblas para oscurecer la luz de uno de los mejores y más importantes grupos de rock del siglo XX...

Lectura de la carta a Perros y Flautas:

1.Éranse al principio un par de púberes que vivían en el condado de Surrey (Inglaterra), los cuales, allá por el Año del Señor 1967, con poco más de 16 primaveras contemplándolos en vida, iban aún al instituto público de Charterhouse. Los dos jovenzuelos decíanse llamar Peter Gabriel y Tony Banks. 2.Y quiso Dios que el fuego artístico naciera en ellos y a cada uno otórgoles voz al primero (convirtiéndolo en un "arcángel") y teclados al segundo (a punto de ser convertido en una marmota). Pero aún no estaba conclusa la obra divina, por lo que fueron llamados los jóvenes Michael Rutherford (bajo), Anthony Phillips (guitarra) y Chris Stewart (batería).

3.El primer milagro vino aún en el instituto: Genesis firman por el sello especializado en música clásica Decca (!!!). Esto acaeció a través del también joven productor Jonathan King (por lo visto, a Dios le gustaban los jóvenes). 4.Pero la banda celestial aún tendría que superar varias pruebas y los dos primeros singles fracasaron como un fariseo en El Club de la Comedia. 5.Y fracasó también el primer album del grupo, con el anticipatorio título de 'From Genesis to Revelation' (1969), muy al estilo de los futuros días pasados de los Moody Blues. Las 500 copias que se vendieron atestiguan este dato (súmesele el número de vinilos que adquirieron los familiares de los músicos).

6.Mas a pesar de todas las pruebas impuestas por Yavé, en 1970 el visionario Tony Stratton-Smith vio al grupo actuando en directo, convirtiéndose en manager luego de que Gabriel y sus compañeros firmaran por su sello Charisma. 7.Así, gracias a la divina providencia, sale el segundo disco, ‘Trespass’, el cual tampoco logra destacar a pesar de contar con un primer hit, The knife, en el que ya se entrevé el estilo que tomará el grupo a partir de ahora.

To be continued...

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DJ Pope habló sobre Genesis
para Perros y Flautas

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